Gego

     Gertrud Goldschmidt (1 agosto 1912– 17 Septiembre 1994) también conocida como Gego fue una artista y escultora moderna venezolana. Sus obras más populares se produjeron en los años 1960 y 1970, durante el apogeo de la popularidad del arte abstracto geométrico y el arte cinético. A pesar de que estos géneros le influyeran tanto, Gego trató de desarrollar su propio estilo y romper con el arte popular de Venezuela. Junto a Lygia Clark y Mira Schendel, Gego es, sin duda, la artista sudamericana más importante de la segunda mitad del siglo XX. Las tres artistas partieron de un constructivismo de raíz europea para llegar a proposiciones estéticas actuales, alejadas del idealismo modernista y, en cambio, más cercanas a la terapia, a la escritura y a una visión existencial del espacio.1 Muere en 1994 dejando una colección de escritos que describen sus pensamientos sobre el arte que se añade a su legado como artista latinoamericano.

Obra

    Variada y cambiante, se mantiene íntegra y vinculada por las nociones que sobre el espacio la artista se plantea. Acuarelas, dibujos, grabados, tejidos de papel y esculturas son prueba de un proceso creativo y de experimentación constante. En todo su trabajo se percibe el poder inmenso de la línea como elemento generador. Dibujos, grabados y esculturas, plantean su interés por el espacio, la transparencia y la estructura, lo que también plasma en su obra de intervención arquitectónica.

http://es.wikipedia.org/wiki/Gego

Ariel Jiménez muestra el genio de Jesús Soto en conversaciones

     Ariel Jiménez no recuerda con exactitud cuándo se entrevistó por primera vez con el maestro guayanés Jesús Soto. "Fue alrededor de 1989 y 1990", dice el historiador y curador de arte. Lo cierto es que hasta 2000 mantuvo diversas conversaciones con el artista plástico venezolano, que murió en París en 2005, para discutir con él acerca de su trabajo. "Por supuesto, entre las entrevistas hubo un período de lectura y de reflexión sobre la obra", cuenta. 

     Esos encuentros están plasmados en las 198 páginas del libro Jesús Soto in conversation with/en conversación con Ariel Jiménez, editado por la Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) de la Fundación Cisneros, que ya está disponible en las principales librerías venezolanas. 

     El libro se centra en la obra creada por el genio del maestro Soto. No es un libro personal, asegura Jiménez, aunque arranca desde su infancia. "La idea fue irnos hacia algunos de los recuerdos más importantes de su infancia, porque estoy convencido de que ahí se esconden claves para la obra de cualquier individuo. Y desde esos recuerdos fui siguiendo metódicamente cada paso, cada momento, cada etapa, y estudié cómo pasaba de un problema a otro". 

   Se trata del cuarto título de la serie bilingüe Conversaciones/Conversationspublicada por la Fundación Cisneros. En el caso de Soto, Ariel Jiménez consideró que era fundamental presentar la creación del guayanés de forma metódica. "Entre 1950 y 1962, por ejemplo, cada obra planteaba problemas que se respondían o se abordaban en la siguiente pieza", asegura. 

     A Jesús Soto le molestaba que lo encasillaran dentro del arte cinético. Sobre todo, porque, según afirma Jiménez, su obra no se reducía solamente a la introducción del tiempo en la pintura. Soto iba más allá: se preocupó por la luz y el movimiento, estableció un diálogo con lo barroco, el cubismo, el abstraccionismo de Malévich y Mondrian. 

     Para mostrar esto en el libro, Jiménez se planteó un lenguaje sencillo, sin tecnicismos, para que pudiese ser digerido tanto por expertos como por personas ajenas al arte. 

     "La primera parte del libro está dedicada a su infancia en Ciudad Bolívar, a sus primeros encuentros con el arte. Después, cuando llegó a Caracas, se encuentra en la Escuela de Bellas Artes con el cubismo. Más tarde, con el viaje a Parísse topa con la historia del arte abstracto. Y ahí comienza una obra amplia que también se subdivide: trabaja con los problemas de repetición, se interesa por la música dodecafónica, crea la familia de vibraciones y las obras que salen al espacio como los penetrables". 

http://www.eluniversal.com/arte-y-entretenimiento/120308/ariel-jimenez-muestra-el-genio-de-jesus-soto-en-conversaciones

Carlos Cruz-Diez: La vida en el color

Este documental, narrado desde la perspectiva del protagonista, relata a través de imágenes inéditas e importantes testimonios, no sólo la naturaleza de su obra, sino también ese aspecto humano y familiar que caracteriza a Carlos Cruz-Diez. De esta manera se descubre al artista, al padre, al esposo, al investigador, al trabajador, en definitiva, al maestro que vive La vida en el color.

http://praga.cervantes.es/FichasCultura/Ficha39740_63_1.htm

Arte cinetico en la moda

El nuevo ángel Inspirado en el discurso geométrico de Jesús Soto, Gego, Alejandro Otero y Carlos Cruz-Diez, el diseñador construyó su voz propia. Un estilo único que evocaba colecciones pasadas como Luna Luna o Zapatos púrpura que presentó en Caracas, pero que tenía el aditivo de la madurez profesional. "Lo abstracto parece ser una tendencia, pero mi encuentro con él fue casual". De los grandes, Marni, quizás, es quien más ha elaborado su discurso geométrico en la moda. Gucci y Fendi causaron furor con sus estampados abstractos en los salones de Milán de Primavera-Verano 2008. Pero Sánchez respira tranquilo al saber que su estilo es original. "En Houston tuve la oportunidad de ver que mi colección se diferenciaba al lado de la de Carolina Herrera y Oscar de la Renta. Eso me fascina". La experimentación con materiales que caracterizó al movimiento abstracto latinoamericano está también en la obra de Sánchez. 

Dice que para evitar encajes y vuelos en los trajes de noche y cóctel, se aventuró a utilizar el algodón por primera vez para crear ese fondo blanco como el de Soto y Cruz-Diez. Mezcló texturas como la del raso de seda natural con cuero de colores primarios y patente, al igual que usó bordados sobre cristales y pintura sobre tela que fueron hechos a mano por los artistas de su taller. "Quería piezas de arte que tuvieran mucho de sensualidad y funcionalidad, no algo para pegar en la pared". MODA LÚDICA Sobre una figura que se insinúa, líneas, rectángulos y cuadrados encajan y se mueven a cada paso de la mujer como en un rompecabezas que cambia constantemente. Sánchez supo capturar esa naturaleza lúdica presente en las esferas de Gego o en los penetrables de Soto. "Él es fiel a la energía, belleza e intención de las obras originales", escribió Amanda Gordon en The New York Sun. El cuerpo no se oculta, sino se entalla para hacerlo más femenino. Los hombros se descubren. Las chaquetas por encima de la cintura acentúan el efecto de conjunto de dos y tres piezas con faldas ajustadas por debajo de la rodilla, o de la braga corta extremadamente sexy. "Ángel Sánchez celebra las curvas de la mujer con piezas moldeadas al cuerpo que se acentúan con diseños gráficos y colores bellísimos", publicó el sitio web Fashion Week Daily. "La colección maneja su propio discurso", dice este diseñador incansable, quien desde ya trabaja en su propuesta para la temporada de OtoñoInvierno 2008 que presentará en febrero, porque sabe que ya no es más un planeta desconocido en la galaxia de la aguja y el dedal.

http://talentovenezolano.blogspot.com/2008/05/ngel-snchez-se-come-la-gran-manzana.html